Richard Lewis, bitterböser Komiker und Charakterdarsteller, stirbt im Alter von 76 Jahre

28.02.2024NewsThe New York TimesClay Risen —   –  Details

Richard Lewis

Nachdem er sich durch seine Stand-up-Acts einen Namen gemacht hatte, wurde er regelmäßig in Filmen und im Fernsehen zu sehen, zuletzt in „Curb Your Enthusiasm“. — Richard Lewis, der Stand-up-Comedian, der in den 1970er- und 1980er-Jahren mit seinem charakteristischen bissigen, dunklen Sinn für Humor erstmals Berühmtheit erlangte und diese Qualität später in einer Schauspielkarriere unter Beweis stellte, zu der auch Filme wie „Robin Hood: Männer in Strumpfhosen“ gehörten. und einer wiederkehrenden Rolle als er selbst in der HBO-Serie „Curb Your Enthusiasm“, starb am Dienstag in seinem Haus in Los Angeles. Er war 76. Sein Publizist Jeff Abraham sagte, die Ursache sei ein Herzinfarkt gewesen. Herr Lewis gab letztes Jahr bekannt, dass er an der Parkinson-Krankheit leide . Herr Lewis gehörte zu den bekanntesten Namen einer Generation von Komikern, die in den 1970er und 1980er Jahren erwachsen wurden und sich durch einen lebensmüden, sarkastischen Witz auszeichneten, der gut zu der städtischen Malaise passte, in der viele von ihnen ihr Handwerk ausübten . Nachdem er als Komiker in New Yorker Nachtclubs Erfolg hatte, trat er regelmäßig in Late-Night-Talkshows auf und wurde sowohl wegen seiner straffen Routine als auch wegen seiner lockeren, offenen Freundlichkeit als Interviewpartner geschätzt. Er trat 48 Mal in „Late Night With David Letterman“ auf. Und er stand an der Spitze des Stand-up-Comedy-Booms, der mit der Verbreitung des Kabelfernsehens Ende der 1980er Jahre einherging. — Der Komiker Richard Lewis im Jahr 2014. Er gehörte zu den bekanntesten Namen einer Generation von Komikern, die in den 1970er und 1980er Jahren erwachsen wurden.Kredit…

 
 

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Richard Lewis, der das Leben und die Neurosen für die düstere Komödie nutzte, stirbt im Alter von 76 Jahren

28.02.2024NewsThe Washington PostHarrison Smith —   –  Details

Richard Lewis

Er war eine tragende Säule der HBO-Langzeitsendung «Curb Your Enthusiasm» und stritt und streitet mit seinem Jugendfreund Larry David — Richard Lewis, der schwarz gekleidete Stand-up-Komiker, der Schuldgefühle, Ängste und Neurosen zum Lachen nutzte – und einige seiner Kabel-Specials «I›m in Pain», «I›m Exhausted» und «I›m Doomed» nannte – und spielte eine halbfiktionalisierte Version seiner selbst in der HBO-Serie «Curb Your Enthusiasm» und starb am 27. Februar in seinem Haus in Los Angeles. Er war 76. — Sein Publizist Jeff Abraham sagte, Herr Lewis sei nach einem Herzinfarkt gestorben. Herr Lewis gab im April bekannt, dass er sich vom Stand-up-Bereich zurückziehen werde, und gab bekannt, dass bei ihm im Jahr 2021 die Parkinson-Krankheit diagnostiziert worden sei und er mit den Folgen «aufeinanderfolgender» Operationen zu kämpfen habe für Schulter, Hüfte und Rücken. — Als selbstironischer Komiker mit dichtem, dunklem Haar, durch das er sich oft nervös mit den Händen fuhr, erlangte Mr. Lewis durch seine Fernsehspecials in den 1980er-Jahren landesweite Berühmtheit, in denen er Geschichten über seine gescheiterten Romanzen und seine turbulente Kindheit erzählte und gleichzeitig das Publikum daran erinnerte, dass «das Leben soll nicht immer großartig sein.» — — Er gewann auch Schauspielrollen, indem er zusammen mit Jamie Lee Curtis als Kolumnist des Chicago Magazine in der ABC-Sitcom «Anything But Love» (1989–1992) spielte und Prinz John spielte, einen komisch gierigen Herrscher, der mit einem wandernden Maulwurf ausgestattet ist, der unerklärlicherweise hinüber reist sein Gesicht, in Mel Brooks‹ Parodiefilm «Robin Hood: Men in Tights» (1993). — Jüngeren Zuschauern war er wahrscheinlich vor allem als mürrische Hauptdarstellerin von «Curb Your Enthusiasm» bekannt, der stark improvisierten Sitcom, in der sein Jugendfreund Larry David, ein Mitschöpfer von «Seinfeld», die Hauptrolle spielte und von ihm kreiert wurde. Sowohl in der Kunst als auch im Leben stritten, stritten und schwadronierten die beiden ständig: In Episoden der Serie, die im Jahr 2000 Premiere feierte und nun in der 12. und letzten Staffel läuft, ist Mr. Lewis‹ Charakter zu sehen, der die Demütigung erträgt, von einem New Yorker überfallen zu werden Jets-Fan; Überreden eines Feinkostladenbesitzers, den Namen eines Sandwichs von «Larry David» in «Richard Lewis» zu ändern; und sich über das ungefilterte Leitungswasser beschweren, das auf einer Dinnerparty serviert wurde. — «LD», sagt er zu David, «Goldfische würden in diesem Wasser Selbstmord begehen.» — Komiker und Schauspieler Richard Lewis im Jahr 2005.

 
 

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Idles: Tangk – Julia Holter u.a.

28.02.2024Swagga!radioeinsElissa Hierseman —   –  Details

Idles

Heute mit neuer Musik der britischen Band IDLES. Gitarrist und Produzent Mark Bowen war erstmal in einer Art Schockstarre (vor Respekt), dass die Zusammenarbeit mit Nigel Godrich (seines Zeichens Produzent von Radiohead) auf dem neuen IDLES Album zustande gekommen ist. Als er sich beruhigt hatte, gings los und rausgekommen ist das fantastische neue Album «Tangk» der Band aus Bristol. — Außerdem bringt Julia Holter demnächst ihr neues Album «Something in the Room She Moves» raus. Auch davon gibt›s Musik.

 
 

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Die letzte Ausgabe!– Alle Register werden gezogen

28.02.2024FreistilradioeinsHolger Luckas —   –  Details

The Last Date

Nach über 34 Jahren Freistil verabschiedet sich Holger Luckas heute von seinen Hörern – mit der gewohnten freistiltypischen Mischung. Alle Register werden gezogen: Post Punk, HipHop, Gospel, Soul, Singer-Songwriter, Blues, Folk, New Wave, Dub Reggae, Electro, Jazz, Ambient… Gut gealterte Songs über das Ende, über Schleusenwärter, Verkehrssicherheit, Wertschätzung, über den Sommer, das Sachenpacken, den Zauber des letzten Mals, die seltsame Welt, über den Nachhall der Liebe und darüber, wie Radiohören verhindern kann, verrückt zu werden. Alles verbunden mit nachhaltigem Dank an alle, die 34 Jahre Freistil möglich gemacht haben: vor allem aber an die Hörerinnen und Hörer, die die Sendung in ihre Ohren, ihre Wohnzimmer, Autos und Büros gelassen haben und neugierig geblieben sind… – heute klopfen an: Käptn Peng, Captain Beefheart, Brian Eno, Moondog, Lee Scratch Perry, Pere Ubu, Pastor Leumund, Björk, Marc Almond, Czeslaw Niemen, Sons Of Kemet, The Fall, Alabaster DePlume, Kathy McCarty, Alternative TV, Blind Boys Of Alabama, Coil, Leon Thomas, Bill Callahan, Frank Tovey, The Durutti Column und Robert Wyatt.

 
 

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Ein Schätzchen war ich nie — Schauspielerin Uschi Glas

28.02.2024Im GesprächDeutschlandfunk Kultur Tim Wiese —   –  Details

Uschi Glas

Schon als Kind in Landau träumt sie von einer Filmkarriere. Die wilden Sechziger in London und München bringen ihren Durchbruch. Uschi Glas ist immer ihren eigenen Weg gegangen. Kurz vor ihrem 80. Geburtstag hat sie ihre Memoiren herausgebracht.

 
 

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Japanische Epen und Lauten: PoiL Ueda, Aragaki Mutsumi, Mitsune

28.02.2024open: WorldWDR 3Babette Michel —   –  Details

Aragaki Mutsumi

»Wir brauchen mehr Zeit, um unseren Geist zu beruhigen», sagt der japanische Bassist Shunsuke Mizuno. Babette Michel hat aber nicht nur Beruhigendes dabei, sondern auch aufregende neue Musik der japanischen Sängerin Junko Ueda mit der Rockband PoiL. — Junko Ueda singt Verse aus dem Samurai-Epos Yoshitsune und begleitet sich auf der japanischen Laute Satsuma-Biwa. Mit der experimentellen Rockband PoiL aus Frankreich scheinen sich die Energien zu potenzieren. Weitere Lauten aus Japan bestimmen den Klang der Sendung. Charakteristisch für die Shamisen-Laute ist die Bespannung aus Katzen- oder Hundehaut. Eine Schlangenhaut dagegen sorgt bei der Okinawa-Laute Sanshin für den guten Klang. Eine moderne Sanshin-Meisterin ist Aragaki Mutsumi. Und am Ende kehren wir wieder zur Entdeckung des Raumes, der Weite und der Langsamkeit zurück, mit Musik von Shunsuke Mizuno, die der Kontrabassist auf seinen Alben «Slow Time» und «Sorrow and Peace» spielt.

 
 

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Brittany Howard: What Now

27.02.2024NewsPitchforkClaire Shaffer —   –  Details

Brittany Howard

*8.3 — Das zweite Soloalbum des Singer-Songwriters von Alabama Shakes ist musikalisch kraftvoll und thematisch mitreißend, ein Projekt für Sound-Nerds mit stadionreifem Elan. — Fast unmittelbar nachdem Alabama Shakes mit ihrem geschmackvollen Retro-Soul-Stil ihren Durchbruch hatten, wehrte sich Brittany Howard gegen eine Kategorisierung. Das 2015 mit einem Grammy ausgezeichnete Album ihrer Band, Sound & Color , bediente sich bei so weitreichenden Meilensteinen wie Y2K-Post-Punk, Erykah Badu und Portishead , aber erst auf Howards 2019er Debüt-Soloalbum Jaime blühte ihre Experimentierfreude so richtig auf. Der Sound schwankte zwischen ruhigen Torch Songs und lauten Erklärungen, die Funk-Rock mit Electronica mischten, verbunden durch überraschende Texte aus Howards Biografie. What Now , das während der Pandemie in Shawn Everetts Studio aufgenommen wurde, ist ein ganz anderes Kaliber. Seine Themen sind gestischer und existenzieller – eine schiefgegangene Liebe, ein Ruf nach Frieden, eine Depression in naher Zukunft. Es fühlt sich sowohl lockerer als auch kräftiger an, das Projekt eines Sound-Nerds mit stadiongroßem Elan und einem Wundertüte-Ansatz. — What Now beginnt ziemlich ruhig, mit Kristallklangschalen und ein paar zaghaften Klavierakkorden und Beckenschlägen, während Howard von ihrer Beklommenheit erzählt. «Aber werde ich es wissen?/Werde ich es fühlen?/Im ersten Moment, in dem ich es sehe?», singt sie, ihre Stimme überlagert sich in einem alles überdeckenden Echo. Dann, mit einem wirbelnden Synthesizer und einer Explosion von Trommeln, legt sie los, sprengt durch die Atmosphäre, saust an Soul, Blues, Funk, Jazz, Psychedelia und House-Musik vorbei. Wenn Howards Texte den Eindruck erwecken, dass sie noch an Dingen arbeitet, klingt ihre Musik, als hätte sie alles im Griff. Jeder Song hier, selbst die langsamen Sachen, fühlt sich riesig und treibend an – eine großartige himmlische Tour durch Rock und R&B, geleitet von einem der wenigen Sänger und Multiinstrumentalisten mit der Bandbreite und Intuition, um es durchzuziehen. — Howard ist eine ausgebildete Stevie Wonder- Anhängerin darin, aus so ziemlich allem einen Groove zu ziehen, was sie hier ihrer Rhythmusgruppe zu verdanken hat, die aus dem Schlagzeugvirtuosen Nate Smith und dem vielseitigen Alabama Shakes-Bassisten Zac Cockrell besteht. «I Don›t» baut sich um einen melancholischen Chipmunk-Soul-Hook im Stil von Cam›ron auf; «Patience» verwandelt sich von einem 08/15-Slow-Jam in eine schillernde Zurschaustellung verdrehter Keyboard-Effekte; in mindestens einem Song schlägt Howard auf eine Mülltonne. Da ist der kraftvolle, wasserdichte Funk-Rock des Titeltracks , die frenetischen, eingeengten Perkussionsinstrumente von «Red Flags» und ein großer Einschlag in Richtung House-Musik in «Prove It to You». Doch einige der inspiriertesten Entscheidungen des Albums kommen überhaupt nicht rhythmisch vor. Zwischen fast jedem Track kehren die Klangschalen zurück, gespielt von den Klangbad-Praktizierenden Ann Sensing und Ramona Reid, was für eine kurze Ruhepause sorgt und « What Now» wie einen spirituellen Klebstoff zusammenhält. — BETRACHTEN — — Die Songs, die Hot Chip gerne geschrieben hätte — Howards außergewöhnliche Stimme strahlt wie ein Leuchtfeuer durch all das. In «Red Flags» wechselt sie zwischen Stakkato-Gesängen, trotzigem Knurren, himmlischem Singsang und einem atemberaubenden Falsett im Refrain – und dank der tadellosen Mehrspur-Überlagerung des Albums macht sie manchmal alles auf einmal. Howard hatte bereits die Ehre, mit Prince ein Doppelsolo aufzuführen , aber in «Power to Undo» macht sie ihm Konkurrenz, indem sie über ihre eigenen rasiermesserscharfen Gitarrenriffs heult und keucht. Die Art und Weise, wie ihre Stimme und die der restlichen Band aufeinander aufbauen, ist an sich schon wunderbar; nehmen Sie zum Beispiel «Samson», wo ihr gedämpfter Gesang sich um eine Trompetenmelodie von Rod McGaha schlängelt, bevor sie ausklingt und McGaha in der zweiten Hälfte mit einem Solo fortfahren lässt. Es handelt sich um ein kompliziertes Geben und Nehmen, das man während der energiegeladenen Jam-Sessions leicht vergisst, doch die Einigkeit zwischen Howard und ihren Kollaborateuren unterstreicht die Großartigkeit des Albums. — Vor dem Hintergrund der satten Akustik kann das Songwriting auf What Now wie ein nachträglicher Einfall wirken. Howard konstruiert Erzählungen, die von einem impressionistischen Gefühlsfragment ausgehen – Unsicherheit, Empörung, erdrückendes Verlangen – und überlässt den Rest der Musik der Musik. Die Biografie wird verschleiert, nur das vereinzelte «Du» und «Mädchen» bleiben in Liedern übrig, die sich anfühlen wie Briefe, die nie abgeschickt werden. Nach der Seelenentblößung in Jaime , wo Howard Rassismus und Queerness durch die Linse ihrer persönlichen Geschichte diskutierte, bringt sie mehr Distanz zwischen sich und das Lied. Die Emotionen, die sie beschreibt, sind nicht weniger direkt, aber ihr Kontext ist schwer zu fassen. — Die nach außen gerichtetsten Themen auf What Now stammen von Maya Angelou, deren beschwörende Interpretation von « A Brave and Startling Truth « aus dem Jahr 1995 das Zwischenspiel in der Mitte des Albums bildet. Angelous Gedicht, das zum 50. Jahrestag der Vereinten Nationen geschrieben wurde, verbindet die Kleinheit des menschlichen Lebens im Universum mit einem «Imperativ» für Freiheit und Gleichheit. Howard führt diesen Faden in «Another Day» fort: «Wir wurden in einer Zeit geboren, in der wir das Paradigma ändern müssen/Frieden ist der Preis unserer Zeitlinie», erklärt sie über einem druckvollen Bass im Thundercat -Stil und wird so zu einem melodischen Gefäß für die umfassendere Botschaft der Dichterin. — Howard ist sich jedoch ebenso der Kleinheit der Menschheit bewusst, der Anstrengung – und der Ruhe –, die erforderlich ist, um durchzuhalten, bis das Gebot erfüllt werden kann. Wenn What Now im wunderschönen Schlussstück «Every Color in Blue» schließlich wieder auf die Erde zurückkommt, ist es wie ein freier Fall. Methodische Gitarre und stotternde Beats bilden die Grundlage, Rod McGahas Trompete schwebt darüber und inmitten sich wiederholender Klavierakkorde zieht Howard jede Silbe in die Länge, als würde sie sich von der Schwerkraft nach unten ziehen lassen: «Du siehst meine Verletzung nicht/Du siehst nicht die Energie, die es mich kostet.» So freudig und mühelos Howards Arbeit auch erscheinen mag, diese Songs sind nicht umsonst. —

 
 

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Hurray for the Riff Raff: The Past Is Still Alive

27.02.2024NewsPitchforkAnna Gaca —   –  Details

Hurray for the Riff Raff

*8.3 — Alynda Segarras fantastisches neues Album lässt die Folk-Texturen früherer Platten wieder aufleben und setzt sich mit amerikanischen Mythen und Tragödien auseinander. Es ist teils Folk-Punk-Memoiren, teils spirituelle Anrufung. — In Juan Gómez Bárcenas 2023 erschienenem Roman Not Even the Dead nimmt ein ehemaliger Konquistador einen mysteriösen Auftrag der Kolonialregierung Mexikos an. Er muss seine Frau und sein Zuhause verlassen, aber es wird sich lohnen – der Auftrag ist mit Gold bezahlt und sollte nur zwei Wochen dauern. Los geht‹s, reitet auf dem Pferd in zahlreiche Höhen und Tiefen und beruhigt sich dabei immer wieder: Zwei Wochen. Zwei weitere Wochen werden es reichen. Zwei Wochen sind das geringste seiner Probleme, denn er reitet nicht nur, sondern macht eine Zeitreise – er schreitet Jahrzehnte und dann Jahrhunderte voran, stolpert und stolpert in zukünftige Welten, in denen die Legenden und Vorurteile der Vergangenheit ständig neue Formen annehmen. Schließlich wird er als Wanderarbeiter wiedergeboren und trampt mit dem Zug. — «Die Zeit kann dich auf eine Reise mitnehmen», singt Alynda Segarra fast zu Beginn ihres neunten Albums The Past Is Still Alive . Statt über Pferde schreibt Segarra hauptsächlich über Züge, weil sie selbst früher auf ein paar aufgesprungen ist und weil die Bahn, der erste Rhythmus der ländlichen Industrialisierung, unter der amerikanischen Blues- und Folkmusik verläuft, die ihre Karriere als Hurray for the Riff Raff prägen . Das ist die unsicher-beständige Vorwärtsdynamik, die The Past Is Still Alive antreibt : teils Folk-Punk-Memoiren, teils PSA zur Schadensbegrenzung, teils spirituelle Anrufung und/oder weltgeschichtliche Séance. Der Ort ist: Irgendwo da draußen und die Zeit ist: Weißt du nicht, dass alle Zeiten miteinander verbunden sind? — The Past Is Still Alive stellt nach Life on Earth aus dem Jahr 2022 , einer Art elektronischem Rewilding-Projekt, das auf das raffiniertere, selbstbewusst konzeptionelle The Navigator folgte , eine Rückkehr zu traditionelleren Americana-Texturen dar . Der Sound ist düster, naturalistisch, zu einem Drittel elektrisch und zu zwei Dritteln akustisch; wir sehen Sanftheit und Freude in der menschlichen Erfahrung und, im Hintergrund lauernd, Gewalt, Fentanyl und Fässer voller Rohöl. Produzent Brad Cook spielt hier Bass, zusammen mit einer Kernbesetzung im Studio, darunter sein Bruder Phil Cook (Klavier, Orgel, Wurltizer, Dobro) und der Schlagzeuger Yan Westerlund – man könnte es als Megafaun aus einer alternativen Realität bezeichnen , mit zwei Brüdern der ursprünglichen Mitglieder und dem Bruder des dritten Mitglieds (siehe, der allgegenwärtige Einfluss von DeYarmond Edison ). — Elemente aus Segarras Biografie tauchen in Ausschnitten ihrer Diskografie auf, jedoch selten so explizit wie in The Past Is Still Alive , einem lebhaften Zeitreisebericht, der Segarras jugendliche Missgeschicke als «Dirty Kid» oder Punk-Reisender mit Demut, Nostalgie und einer transhistorischen Perspektive reflektiert. In der Nacherzählung stehen Ladendiebstahl und das Containern nach Essen sowohl für Selbstständigkeit als auch für heimliche Scham. Und wenn man nirgendwo hin kann, bringt einen der Zug irgendwohin. Das ist gewiss nicht jedermanns Lebensstil : «Hier ist ein silberner Löffel, als Preis kannst du dir den Bauch vollschlagen», spottet oder warnt Segarra im Highlight «Hawkmoon», einer ausgelassenen Coming-of-Age-Geschichte zu Ehren einer transsexuellen Mentorin, Miss Jonathan, die angegriffen und nie wieder gesehen wird. — BETRACHTEN — — Thundercat analysiert seine liebsten Basslinien — Es scheint, als hätte Segarra über die riesigen psychischen Geografien und amerikanischen Geschichten nachgedacht, durch die Züge (und queere Punks) fahren, die normale Zivilisten normalerweise nicht fahren. Wahrscheinlich hat er die letzten drei Verse von «This Land Is Your Land» gesungen und nicht nur die erste Hälfte, die Dichterin Eileen Myles neben einem legendären Graffiti-Künstler für Güterzüge erwähnt und das Album mit zwei todesmutigen Gesten eröffnet: «Alibi», in dem er einen Freund vom Rande der Sucht zurückruft, und «Buffalo», in dem es um das Aussterben der ursprünglichen Bewegungsökonomie der Great Plains geht. «Zwei Wochen nur, um die Büffel zu fangen», singen sie, und ich stelle mir vor, wie die Tiere weiter Richtung Horizont verschwinden, noch weiter, bis zu dem Tag, an dem diese namenlosen Jäger akzeptieren müssen, dass sie nicht mehr gefunden werden. Und dann – «tauchte die Herde eines Tages wie aus Zauberhand auf». Zeitreise. — Segarra klingt am besten, wenn sie einen prophetisch klingenden Folksong vorträgt, vielleicht, weil ich so zum ersten Mal mit ihrer Arbeit an älteren Stücken wie «End of the Line» oder «Look Out Mama» in Berührung gekommen bin. Der fantastische, aber dennoch scharf beobachtete Schreibstil und die Wiederbelebung eines traditionelleren Sounds von The Past Is Still Alive fühlen sich wie eine Heimkehr an. Das Album wurde in den Wochen unmittelbar nach dem Tod von Segarras Vater, Jose Enrico Segarra oder «Quico», aufgenommen, der die abschließenden Voicemails hinterlässt. «Es ist alles Vergangenheit, aber die Vergangenheit lebt noch», knurrt Segarra auf «Vetiver», wobei die Titelphrase an einer Stelle auftaucht, die nicht der Titeltrack ist, weil es einfach diese Art von Album ist: grenzenlos. Sie sind in diesem Song in wilder Form, einer köstlich breiigen Reiseballade über Vergänglichkeit und Beziehungen, die auch einen Bob Dylan- Knaller mit einer prägnanten Phrase enthält: «Du weißt, nichts ist umsonst/Aber es könnte durchaus sein.» Und sie entwickeln weiterhin ihre eigene poetische Stimme, eine, die eine kleine, treppenförmige Melodie hinaufsteigt und dann mit einer gut getimten Obszönität oder einer nachdrücklichen Erinnerung, die eigenen Drogen zu testen, auf dem Absatz kehrtmacht. «Ich habe noch nie ein Lied gehört, in dem Narcan erwähnt wird», sagte Segarra kürzlich bei einem Hörevent, also schrieben sie eines, das die Notfallumkehr nach Überdosierungen namentlich bewirbt. — Endlich sprechen sie in «Ogallala», dem Namen einer Stadt in Nebraska (die selbst nach einem Stamm der Lakota benannt ist), zur Zukunft, wo der apokalyptische Subtext des Albums endlich an die Oberfläche bricht. The Past Is Still Alive trotzt der Zeit so erfolgreich – es kehrt um, besucht sie erneut, schlüpft hindurch –, dass ich mir am Ende wünsche, es wäre wahr. Brad Cooks reiche, erdige Anklänge sind überall auf dem kommenden Album von Waxahatchee und Jess Williamsons jüngstem zu finden , neben zahlreichen anderen prominenten Credits der letzten Jahre. Und Segarras trübsinnigster Monolog klingt tatsächlich ziemlich nach Conor Oberst, wenn er im Hintergrund des sehr Bright Eyes -artigen «The World Is Dangerous» singt. Ästhetisch fühlt sich The Past Is Still Alive in diesen Momenten als zeitgenössische Indie-Rock-Platte deutlich gegenwärtig an, und nicht so, wie ich es idealerweise lieber erhalten würde, nämlich von einem mysteriösen Fremden im hinteren Teil einer namenlosen kleinen Geisterstadt-Bar. Ich erwarte nicht, dass das bald passieren wird, aber stellen Sie sich ein Hurra für das Riff Raff-Album vor, das verworrener und schräger ist, wie ihre Interpretation von Van Morrison aus den 70ern , oder das völlig aus der Zeit gefallen ist, wie (verzeihen Sie mir noch einen Eisenbahnwitz) ihr eigenes Blood on the Tracks ? Ich glaube nicht, dass Segarra das auf Platte schon völlig geschafft haben, und es ist ein Geschenk, sie auf ihrem Weg zu hören. Die ganze Zeit, als ich allein war, war die Vergangenheit dicht hinter mir. Wenn dies das Ende der Geschichte ist, dann ist jetzt die längste Vergangenheit, die es jemals geben wird. Halt durch, Baby, wir leben mittendrin.

 
 

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Seine Stücke waren Redegewitter, Gedankenblitze und Diskursdonner — Rene Pollesch

27.02.2024Kultur BühneSRF 2 KulturAndreas —   –  Details

Rene Pollesch

Der Intendant der Berliner Volksbühne war einer der grossen Dramatiker und Regisseure der deutschsprachigen Theaterszene. Seine Inszenierungen waren Ad-hoc-Ereignisse, die im Austausch mit den Darstellenden entstanden, und nie wiederholbar sein werden. Ein Nachruf. «Mit René Pollesch verbinden sich zahlreiche belebende Theatermomente. Für mich auch ein ganz persönlicher: Es war ein anstrengender Arbeitstag. Der Kopf schmerzte. Abends noch Theater, ich fragte mich, warum ich diesen Beruf gewählt hatte und was das überhaupt für ein Beruf sei. «Dann anderthalb Stunden Pollesch – und ich kam heraus wie frisch geboren. Belebt, beflügelt, der Kopfschmerz weg. Es war sein Geheimnis, wie er das immer geschafft hat. Redeschlaufe nach Redeschlaufe, man konnte dem gar nicht immer bis in alle Diskurs-Verwinkelungen folgen. Und verliess das Theater gestärkt und inspiriert. «Pollesch war nicht wegzudenken «Es wurde viel und schnell geredet an Polleschs Theaterabenden – die Vergangenheitsform schmerzt beim Schreiben. Pollesch war aus dem deutschsprachigen Theater nicht wegzudenken. Nun ist er weg. Und mit ihm wohl seine Stücke:

 
 

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Kinder, Eltern und die Suche nach Wahrheit

27.02.2024Kompressor: ClipDeutschlandfunk KulturMatthias Dell

Familiengeheimnis Kinder

«Familiengeheimnisse – sag mir, wer ich bin» heißt ein neuer Podcast, der jetzt verfügbar ist. Darin geht es um die Dinge, über die nie gesprochen wird. Wenn die Wahrheit ans Licht kommt, sei das meistens befreiend, sagt Moderatorin Thembi Wolf. — Viele Betroffene wissen, dass in ihrer Familie etwas «nicht stimmt», suchen aber lange nicht nach der Wahrheit.

 
 

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