LAST RADIO POETS

04.04.2024 – News – Pitchfork – Julianne Escobedo Shepherd —   –  Details

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Beyoncé

*8.4 — Der Nachfolger von Renaissance ist ein kraftvolles und ambitioniertes Country-Album, das ganz im Stil von Beyoncé gehalten ist. Sie behauptet ihren rechtmäßigen Platz in diesem Genre, wie es nur ein Popstar mit ihrem unglaublichen Talent und Einfluss kann. — Wenn uns Lemonade etwas beigebracht hat, dann, dass man sich nicht mit Beyoncé anlegen sollte . Ihr Opus von 2016 war ihre wütende Reaktion auf Unrecht, das sie erlitten hatte, und bescherte uns das unauslöschliche Bild einer lächelnden Frau in einem gelben Kleid, die einen Baseballschläger trägt, und das bleibende Gespenst von Becky und ihrem schönen Haar. Wir wissen bereits, was passiert, wenn etwas ihren Frieden stört – sie setzt ihr ganzes Wesen ein, um das Unrecht wiedergutzumachen, und übt ihre Rache mit einem Funkeln in den Augen, besonders viel Mumm in der Stimme und Eis in den Adern aus. Es ist besonders angespannt, wenn einer der größten Musik-Superstars der Welt einen Groll hegt. Das kommt nicht oft vor – in letzter Zeit hat sich Beyoncé in jeder Hinsicht wie eine seligmachende Mutter verhalten –, aber wenn es passiert, dann sei auf der Hut. — Lemonade hat möglicherweise auch den Grundstein für Cowboy Carter gelegt , das «aus einer Erfahrung entstand, die ich vor Jahren machte, als ich mich nicht willkommen fühlte … und es war ganz klar, dass ich es nicht war.» Sie scheint sich dabei auf ihren Auftritt bei den Country Music Association Awards 2016 zu beziehen , bei denen sie Lemonades texanischen Country-Triumph « Daddy Lessons « mit den Chicks sang , die einst ebenfalls vom gesamten Countrymusik-Apparat verbannt wurden. Während sie das Lied spielten und nachdem es zu Ende war, wurde Beyoncé sowohl im Publikum als auch online mit Reaktionen konfrontiert, die von kühlem Grinsen bis zu rassistischer Gehässigkeit reichten . — In diesem Moment war klar, dass selbst Beyoncés texanische Glaubwürdigkeit sie nicht vor dem seit langem bestehenden Rassismus und Sexismus schützen würde, der im Country-Mainstream immer noch existierte , obwohl schwarze Musiker den Funken der Country-Musik entfacht hatten und schwarze Amerikaner die Grundlagen des Landes selbst schufen. «Aufgrund dieser Erfahrung», schrieb sie, «tauchte ich tiefer in die Geschichte der Country-Musik ein und studierte unser reiches musikalisches Archiv … die Kritik, der ich ausgesetzt war, als ich zum ersten Mal in dieses Genre einstieg, zwang mich, die mir auferlegten Grenzen zu überwinden.» Das Country-Musik-Establishment brachte Beyoncé dazu, ihre Hausaufgaben zu machen. Sie feuern ihre Waffen. — Aber wie Beyoncé klargestellt hat, ist Cowboy Carter – oder Act II , der Nachfolger des 2022 erschienenen Dance-Albums Renaissance – kein Country-Album. Vielmehr hat sich Beyoncé in die Cajun Country-Gegend Louisianas, die Flüsse Alabamas, die Straßen Memphis‹, die großen Ebenen Oklahomas und in ihre Erinnerungen an multiethnische Rodeos in Texas gewagt, um eine weitere Welt nach ihrem Bild zu erschaffen. Das Album ist teilweise in Western-Tropen verwurzelt, richtet aber auch den Blick gezielt auf das Amerika, das auf der Bühne der CMAs – und in den Geschichtsbüchern der öffentlichen Schulen – oft ausgelöscht wird. Die Pressemitteilung zum Album erinnert uns daran, dass die Etymologie des Wortes «Cowboy», das vom spanischen «vaquero» abstammt, teilweise darauf zurückzuführen ist, dass weiße Rancher ihre weißen Angestellten «Cowhands» und ihre schwarzen Angestellten die Verkleinerungsform «Cowboy» nannten. Indem er Country als Ausgangspunkt für Experimente nutzt und an genreübergreifende Künstler wie Ray Charles , Candi Staton , Charley Pride und die Pointer Sisters erinnert , bekräftigt Cowboy Carter Beyoncés Platz in dieser langen Tradition und stellt zugleich die immer größer werdende Bandbreite ihrer stimmlichen Fähigkeiten zur Schau. — BETRACHTEN — — Kurt Vile erklärt, wie er seine Songs aufbaut — Auf Cowboy Carter wird Club Renaissance durch KNTRY Radio Texas ersetzt, einen AM-Sender, der von einem stets benebelten Willie Nelson moderiert wird. Hier kontextualisiert sie Roots-Musik – Americana, Folk, Country – für einen zeitgenössischen Moment neu und erinnert die Zuhörer daran, dass schwarze Künstler der Ursprung dieser Formen waren und nie aufgehört haben, sie zu spielen, egal was Hollywood oder Nashville zu bieten hatten. Schon vor der Veröffentlichung des Albums entfachten die dazugehörigen visuellen Elemente einen Dialog über das Erbe der Black Country-Musik neu, der 2018 mit dem Erfolg von « Old Town Road « von Lil Nas X und «Yee Haw Agenda « des Dallaser Kulturkritikers Bri Malandro begann . Mit Beyoncé als Vermittlerin hat sie diese historischen Verbindungen auf unterhaltsame Weise aufbereitet, obwohl niemand ihr Edutainment vorwerfen würde – sie ist mehr als einmal bei der Houston Livestock Show and Rodeo aufgetreten . Cowboy Carter ist auch kein explizites « Fick dich» an diejenigen, die sie 2016 abgelehnt haben, aber es ist ein Beweis dafür, dass sie es besser weiß und dass sie auf diese Bühne gehört, und das gilt auch für alle schwarzen Country- und Rockmusiker, die sie zur Carter Ranch mitgebracht hat. Nun ja – die «Rodeo Chitlin‹ Circuit»-Einbildung des Albums, die sich auf die Veranstaltungsorte bezieht, die es schwarzen Musikern ermöglichen würden, im segregierten Süden aufzutreten, könnte ein explizites « Fick dich» sein . — Auch mit Cowboy Carter wird geprotzt: Beyoncé präsentiert eines der hinsichtlich der Tantiemen wohl teuersten Alben aller Zeiten – für mein Gehör wird sie Schecks an Dolly , Chuck Berry , Nancy Sinatra und Lee Hazelwood , die Beatles , die Beach Boys , Patsy Cline , Mickey und Sylvia und Hank Cochran ausstellen, deren Songs hier allesamt eingefügt oder gecovert sind. Cowboy Carter spielt sich wie eine klassische Country-Mordballade ab, in der das geschädigte Stadtmädchen in seinen staubigen Außenposten zurückkehrt, um Rache zu nehmen – «Deine Blutflecken auf meinen Maßanfertigungen», singt sie in «Daughter». Das Konzept ist aufregend, obwohl betont werden muss, dass Beyoncé im großen Ganzen noch immer ein Megastar mit einer Milliarde auf der Bank ist, wenn sie durch die Schwingtüren des Saloons eintritt. Sie bringt zwar eine kleine Gruppe weniger bekannter Künstler mit, aber wie sie selbst bemerkte, geht es ihr eher darum, sich selbst «herauszufordern», und nicht um ein altruistisches Unterfangen. Sie ist eine der wenigen Musikerinnen auf der Welt, die ihre Hasser allein durch Willenskraft und Allgegenwärtigkeit zum Handeln zwingen kann; das Country-Establishment muss sie hören, ob es will oder nicht, und das scheint genug zu sein. — MEISTGELESENE REZENSIONEN — Nabelschnur — Nabelschnur — Du — Sie ist so ungewöhnlich — Sie ist so ungewöhnlich — Cyndi Lauper — In Sexyy We Trust — Wir vertrauen auf Sexyy — Sexy Rot — Cowboy Carter ist gleichermaßen ein Text und eine Performance, aber reden wir zuerst über den Text. Beyoncé reitet auf einem galoppierenden Pferd mit dem entzückenden Namen Chardonneigh herein, trägt einen Latex-Flip auf der Tracht einer Rodeo-Königin (die Physik einer solchen Pose überlassen wir allerdings den Kunstreitern ) und trägt eine teilweise sichtbare amerikanische Flagge in den Album-Opener «American Requiem», auf dem sie Tina Turner kraftvoll auf die Grundlagen des amerikanischen Projekts einstimmt. «Kannst du mich hören oder fürchtest du mich?», jammert sie und klagt die Heuchelei eines Landes an, das von versklavten Menschen auf der Freiheit aufgebaut wurde, bevor sie ihre eigene Flagge darin aufpflanzt – sie ist auch Amerikanerin. — Unterstrichen wird diese Botschaft durch ein ergreifendes Cover des Beatles-Folksongs «Blackbird», den Paul McCartney unter anderem als Reaktion auf die Gewalt und den Hass bei den Little Rock Nine schrieb – neun schwarzen Teenagern, die in Arkansas die Highschool besuchen wollten, nachdem das Urteil Brown v. Board of Education die Rassentrennung an Schulen für illegal erklärt hatte. In ihrem hoffnungsvollen Schlaflied wird sie von einer Clique talentierter schwarzer Countrymusikerinnen begleitet – Tanner Adell , Brittney Spencer , Reyna Roberts und Tiera Kennedy , bekannt durch « Jesus, My Mama, My Therapist «. Und anderswo dehnt sie ihren Einfluss auch auf den Country-Hip-Hop-Musiker Shaboozey aus Virginia («Spaghettii», «Sweet Honey Buckiin‹») und den Künstler Willie Jones aus Shreveport in «Just for Fun» aus. Das letztgenannte Lied, eine Gospel-beeinflusste Meditation über die Reise durch die eigenen Probleme, bewegt sich mit Klavier, Akustikgitarre, Streichern und einem perkussiven Stampfen, das einen Pferdegalopp nachahmt, nur ein Beispiel dafür, wie Cowboy Carter die Synthesizer von Renaissance weitgehend zugunsten eines organischeren, Live-auf-Tape-Gefühls aufgegeben hat, als würde man eine Band in einem sehr schönen Studio einfangen. — Rhiannon Giddens Banjo und Viola auf « Texas Hold ›Em « gaben den Ton für Cowboy Carter an, als es Anfang des Jahres veröffentlicht wurde, aber sonst gibt es auf dem Album nicht viel, was an zeitgenössischen Country erinnert. Stattdessen konzentriert sich Beyoncé auf amerikanische Folkmusik und die goldene Ära des Country, mit Unterstützung von Legenden, die ihr Erbe in den 1960er und 1970er Jahren geprägt haben: Dolly Parton, Willie Nelson und insbesondere Linda Martell , die erste schwarze Frau, die in der Grand Ole Opry spielte. «Genres sind ein lustiges kleines Konzept, nicht wahr?», eröffnet Martell «Spaghettii» in einem Voice-over. «Theoretisch haben sie eine einfache Definition, die leicht zu verstehen ist. Aber in der Praxis fühlen sich manche vielleicht eingeengt.» — Um das zu beweisen, legt Beyoncé einen weiteren Trap-Beat im Pferdegalopp ein und rappt über ihre Schützen, obwohl Martells Argumentation vielleicht besser in «Daughter» veranschaulicht wird, einem Cowgirl-Rachetrack, der unglaublicherweise damit eskaliert, dass Beyoncé eine Strophe aus der Arie «Caro Mio Ben» aus dem 18. Jahrhundert schmettert – und das auf Italienisch. Oder vielleicht in « Sweet Honey Buckiin‹ «, wo Clines Klassiker «I Fall to Pieces» im Jersey-Club-Stil aufbereitet wird, während Beyoncé «Body Rolls at the Rodeo» hinlegt. «My Rose» erinnert in einem Song über Mutterliebe abwechselnd an barocke Gesangsarrangements, Sweet Honey in the Rock und 60er-Jahre-Psychedelia; «Desert Eagle» ist eine ungewöhnliche Slap-Bass-Hymne für Stripclubs. Oder noch deutlicher «Riiverdance», das Fingerpicking-Bluegrassgitarren mit House-Piano und Four-on-the-Floor-Percussion kombiniert, die von Beyoncés Nägeln im « 9 to 5» -Stil von Dolly und Patti stammen könnte . Es ist, als hätten die Renaissance- Tänzer einen Abstecher durch Alabama gemacht, um eine kleine Choreographie am Coosa zu machen, bevor sie wieder in den Club zurückkehrten. — MEISTGELESENE REZENSIONEN — Umbilical — Nabelschnur — Du — She›s So Unusual — Sie ist so ungewöhnlich — Cyndi Lauper — In Sexyy We Trust — Wir vertrauen auf Sexyy — Sexy Rot — Obwohl Cowboy Carter vom Kitsch und Spaß der Countrymusik der 70er und 80er Jahre inspiriert ist, haftet ihm eine Melancholie an, die in den zahlreichen Liedern in Moll über die Einsamkeit auf der Weide nachhallt. Aber es gibt auch eine musikalische Theatralik, etwa wenn Beyoncé und Miley Cyrus in dem Ride-or-Die-Track «II Most Wanted» mit « Leather and Lace « durch Outlaw Country reisen. Oder in dem phänomenalen «Ya Ya», wo die elektrifizierte Live-Band im Funk-Mule- Modus ist, während Bey sich durch das Leben eines Arbeiters voller Bullshit tritt, wackelt, schnappt und twerkt. «Eine ganze Menge Rot in diesem Weiß und Blau … Geschichte kann nicht ausgelöscht werden», singt sie laut, bevor sie neben einem Sample von Chuck Berry, dem Country- und Rock›n›Roll-Erfinder, die Lohnlücke zwischen den Rassen und die räuberische Hypothekenbank Fannie Mae beschwört. Die Erleichterung besteht, wie bei Renaissance , darin, den Schmerz wegzutanzen und «die Bibel auf dem Armaturenbrett zu behalten». Das sind keine dauerhaften Lösungen, aber zumindest wird sie dafür sorgen, dass Sie dabei Spaß haben. — Der druckvolle Sound der Live-Instrumentierung ist einzigartig für Beyoncé, aber die Flexibilität ihrer Stimme bleibt unglaublich. Auf Stücken wie «Protector» und «Daughter» modulieren ihre hohen Töne gelegentlich nach unten wie eine Slide-Gitarre, eine hauchige Technik, die eindeutig Country ist, aber nur dann natürlich klingt, wenn ein Sänger die volle Kontrolle hat, wie es bei Beyoncé immer der Fall ist. Die Lockerheit der akustischen Instrumente passt zu ihr, besonders wenn sie sich in der Feuchtigkeit eines Songs wie «Alligator Tears» träge fühlen lässt oder bei «Just for Fun» in ihrem tiefsten Register singt. Sie muss keinen Rückwärtssalto über ein Pferd machen, um die Emotionen zum Klingen zu bringen. — Beyoncés Persona ist zur amerikanischen Ikonographie geworden, und ihre Größe neigt dazu, einen Schatten auf alles vor ihr zu werfen, egal in welchem Medium. Der Nebeneffekt davon ist, dass sich einige von Cowboy Carters Songs klein und für Beyoncés Statur unpassend anfühlen. «Levii›s Jeans», ihr Marken-Duett mit Post Malone, ist ein blasser Versuch zeitgenössischer Country-Musik, der bereits für einen Marketing-Stunt verwendet wurde ; die Anklänge von Fleetwood Mac in «Bodyguard» wirken wie abgedroschen für ein Album mit Cowboy Carters Ambitionen. Auf dem großangelegten «Jolene»-Cover, das von Dolly selbst gewünscht und mitunterzeichnet wurde, verwandelt Bey das Betteln in eine Warnung und konzentriert die Macht wieder in ihre eigenen Hände (und tauft sich selbst «Creole banjee bitch from Louisiane», ein weiterer roter Faden zwischen Akt I und II ). «Jolene» ist außerdem einer der am häufigsten gecoverten Songs aller Zeiten, eine Wahl, die die Gewissheit erfordert, dass er zumindest in diesen drei Minuten Ihnen gehört. Wie ihre Version von Donna Summers «I Feel Love» am Ende von Renaissance bleibt «Jolene» eine Leihgabe. — Doch «Cowboy Carter» ist ein weiterer Band in Beyoncés jahrelangem Projekt, die schwarze Kultur ans Licht zu bringen und zu würdigen, so wie sie in « Renaissance» den queeren Tanz-Underground und in « Homecoming» die HBCUs ins Rampenlicht rückte . Es ist immer noch verrückt, dass sie einen solchen Dialog in so großem Ausmaß provozieren kann; seit Wochen sind sowohl die sozialen als auch die normalen Medien in Gespräche über die Geschichte schwarzer Country-Musiker verwickelt, eine Art Korrektur des amerikanischen Musikkanons. Im letzten Song des Gospel-Albums «Amen», einem Pendant zu «American Requiem», spielt sie darauf an, dass die Vereinigten Staaten von versklavten Schwarzen erbaut wurden – «Die Statuen, die sie machten, waren wunderschön/Aber sie waren Lügen aus Stein» – und kommt wieder auf den auslösenden Vorfall mit « Cowboy Carter» zurück : dass das, was sie bei den CMAs erlebt hat, Teil eines Amerikas ist , das, wie Sie vielleicht gehört haben , ein Problem hat. Obwohl Textzeilen wie «Können wir für etwas einstehen?» vage sein mögen, ist ihre Botschaft ziemlich klar. Auch Beyoncé ist Amerikanerin, also do-si-do in dieser Hinsicht.

SK-news

04.04.2024 – News – Pitchfork – Matthew Strauss —   –  Details

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Vampire Weekend

*8.6 — Auf ihrem meisterhaft vertrackten fünften Album begeben sich Vampire Weekend auf eine selbstmythologische Reise in alte Klänge, alte Treffpunkte und alte Städte, um darin etwas Neues zu finden. — Ezra Koenig beginnt «Only God Was Above Us» , indem er, so scheint es, nur zu einer Person spricht. Vor dem Hintergrund des Brummens des Verstärkers und des zaghaften Klimperns der Gitarre klingt er dünn und schrill, fast gereizt, ein wenig düster. «,Scheiß auf die Welt‹», singt Koenig leise, «Du hast es leise gesagt/Niemand konnte dich hören/Niemand außer mir.» — Mit dieser gedämpften Verzerrung beginnt das fünfte Album von Vampire Weekend , auf dem Koenig und seine Bandkollegen Chrises Baio und Tomson sehnsüchtig in die Vergangenheit blicken, um mehr Fragen als Antworten zu finden. Ein Hauptanliegen ist die Geschichte und wo man darin Platz hat, aber letztlich steht auf Only God Was Above Us Vampire Weekend selbst im Mittelpunkt . Es ist die offenkundigste selbstreferenzielle Veröffentlichung der Band, eine Collage aus charakteristischen Klängen und Motiven, gespickt mit Anspielungen. Es fühlt sich neu und behaglich an, regelmäßig elegant und charmant, ruhig und tröstlich und manchmal düster. Und nur ein bisschen beunruhigt. — Das heißt, Only God Was Above Us ist auch das ehrlichste Album von Vampire Weekend, eine Zusammenfassung dessen, was die Band am besten kann: melodisch und abstrus auf Koenigs eigene meisterhafte Art. Nehmen wir zum Beispiel die beiden offensichtlichen Rückbesinnungen auf «Connect», das Tomsons Schlagzeug-Fill « Mansard Roof « nachbildet und Keyboards einfügt, die an Contras Überraschungshit « Holiday « erinnern . Das Lied ist eine lebhafte Träumerei über verlorene Tage in New York, aber in seinen Erinnerungen und seiner Stimmung etwas schief. Koenig und Co-Produzent Ariel Rechtshaid fangen die Fremdartigkeit mit einem Track ein, der die typischen Sounds von Vampire Weekend nimmt und sie so verdreht, dass sie ein bisschen jazzig, manchmal ein bisschen elektronisch klingen, einen Beat davon entfernt, völlig zusammenzubrechen. Das Ergebnis ist so etwas wie ein Indie-Déjà-vu, das Gefühl, wir hätten das schon einmal gehört, können es aber überhaupt nicht zuordnen. — Obwohl die Bandmitglieder selbst lange in Los Angeles gelebt haben, spielt New York bei Vampire Weekend immer noch eine große Rolle. Koenig, Baio und Tomson sind alle in oder um die Stadt aufgewachsen und haben sich zusammen mit ihrem ehemaligen Bandkollegen und heutigen Mitarbeiter Rostam Batmanglij an der Columbia University zusammengefunden. Nicht in New York zu sein, bietet jedoch eine neue Perspektive: Aus der Ferne erscheint die Stadt wie ein verfallender Riese, der unausweichlich seiner Vergangenheit und all den Geistern, die hier vorbeigezogen sind, verpflichtet ist. Allein durch die Nennung alter New Yorker – der verstorbenen in Russland geborenen Journalisten Henry und Ludmilla Nikitina Shapiro , ihrer Tochter Irina Shapiro Corten , der berühmten Galeriebesitzerin Mary Boone, sogar eines stillgelegten Krawattengeschäfts –, veranschaulicht Koenigs stets lebendige Welt der Namedroppings, wie merkwürdig es ist, in großen Schatten zu leben. — BETRACHTEN — — Kurt Vile erklärt, wie er seine Songs aufbaut — Vampire Weekend zeigten New York bereits von seiner trostlosesten Seite in « Hudson «, einem verrottenden Klagelied über den Lauf der Zeit. Das Lied von Modern Vampires of the City hat nun einen spirituellen Nachfolger in « Gen-X Cops «, einem weiteren seltenen Song in Moll, den die Band seit 2012 zum Funktionieren zu bringen versucht. In «Hudson» betrachtete Koenig Ortsnamen und Immobilienanzeigen und erkannte die immensen Konsequenzen der Handlungen früherer Generationen. In dem optimistischen, aber düsteren «Gen-X Cops» setzt er sich mit dem Gedanken auseinander, dass er nun zur alten Garde gehört. «Jede Generation entschuldigt sich auf ihre eigene Weise», singt er, wohl wissend, dass dies nur eine Ausrede für den Ärger ist, den er bestimmt ist zu verursachen, und für die Perlen, die er zwangsläufig umklammern wird. Der Perspektivwechsel steht vielleicht für den von Koenig und seinen Bandkollegen im Alter: keine jugendlichen Idealisten mehr, die die Welt um sie herum kritisieren, sondern resignierte Erwachsene, die mit ihrem Platz darin ringen. — Es mag mühsam erscheinen, von den neuen Songs zurück zum Katalog von Vampire Weekend zu gehen, aber genau darum geht es. Only God Was Above Us konzentriert sich oft auf Erbe, Geschichte und vergangene Tage, und auch die Songs sollen vertraut klingen: «Gen-X Cops» übernimmt die Rolle des Ska-beeinflussten Spaßes (« A-Punk «, « Cousins « , « Diane Young «); «Mary Boone» erweckt die Chorambitionen von « Ya Hey « wieder und «Prep-School Gangsters» hat den nachdenklichen, barocken Stil von « Taxi Cab «, um nur einige zu nennen. Wenn Koenig in «The Surfer» singt: «You›ve never seen a starry night/You saint», ist es unmöglich, nicht an die «Ya Hey»-Zeilen «Oh, You saint/America don›t love You» zu denken. Sogar der Refrain von «Classical», der sofort zum Klassiker wird – «Untrue, unkind and unnatural» – lässt Sie vielleicht singen : «Peter Gabriel too.» — So sehr das Album die Vergangenheit umarmt, handelt es auch davon, wie schwer es ist, sie wirklich zu begreifen. Das erste Album der Band war ein Jubellied: junge Männer in Bootsschuhen begegnen einer Welt der Privilegien und genießen deren Fülle mit schiefem Blick. Auf Contra waren sie der Welt des Überflusses gegenüber noch misstrauischer und fragten sich, wozu das alles gut gehen soll. Mit Modern Vampires of the City hatte Koenig sich von bloßer Materialität abgewandt und wollte allem auf den Grund gehen . Und nach einer Zeit fernab solch schwerer und berauschender Fragen kehrte er als stolzer Jünger der Grateful Dead zurück und jammte auf Father of the Bride über die Erde und die Liebe . Hier fragt er: «Ist es jetzt seltsam, dass ich keine Verbindung herstellen kann?» Er und seine Bandkollegen beantworten diese Frage musikalisch und weisen darauf hin, dass man nahe herankommen kann, aber kein Zurück mehr. — MEISTGELESENE REZENSIONEN — Nabelschnur — Nabelschnur — Du — Sie ist so ungewöhnlich — Sie ist so ungewöhnlich — Cyndi Lauper — Wir vertrauen auf Sexyy — Wir vertrauen auf Sexyy — Sexy Rot — Es hilft, dass diese Band so reif für die Selbstmythologie ist; es war lange Zeit unmöglich, über Vampire Weekend zu sprechen, ohne «über Vampire Weekend zu sprechen», und all die Kommentare zu Privilegien, Aneignung und Identität, die damit einhergehen. Jetzt sind sie diejenigen, die «über Vampire Weekend sprechen», aber zu ihren eigenen Bedingungen, indem sie Songs über die Geschichte schreiben und darüber, wer sie schreibt (die Grausamsten unter uns), wer den Klassenaufstieg bestimmt (die Leute, die die Tür abschließen, sobald sie die Schlüssel zum Penthouse bekommen) und darüber, was passiert, wenn man alles bekommen hat, was man zu wollen glaubte (man ist immer noch ziemlich leer). — Der einzige Song auf Only God Was Above Us ohne echten Präzedenzfall ist der unheilvolle, epische, achtminütige Schlusssong «Hope». Es ist der längste Song der Band und klingt fast anders als alles andere, was Vampire Weekend aufgenommen haben. Koenigs «Hope»-Text ist zornig – «Die Botschaft ist jetzt verlassen/Die wehende Flagge liegt auf dem Boden/Das Gemälde ist verbrannt, die Statue ertränkt», heißt es in einer Strophe – aber seine sanfte Stimme sorgt für Kontrast und lässt das Ganze wie eine Lagerfeuermelodie klingen. Das Zusammenspiel des Tracks ist die zärtliche Bitte «Ich hoffe, du lässt es los». Von einer jüngeren Band könnte es naiv klingen, wie eine Pflichtverweigerung. Mit zunehmendem Alter klingt es eher wie Vergebung. — Der letzte Song von Only God Was Above Us fühlt sich an wie ein Teil des Openers des Albums, «Ice Cream Piano», da es in beiden um «Ich» und «Du» geht und sie wie Gespräche wirken, die Koenig mit sich selbst führt. «Wir sind alle die Söhne und Töchter/Von Vampiren, die der alten Welt die Hälse ausgesaugt haben», singt er, immer noch auf der Suche nach einem Frieden, der noch kommen wird. Der Name der Band ist natürlich nicht besonders drakulisch, sondern nur eine Anspielung auf den Titel eines Heimvideos, das Koenig eines Sommers drehte und für das Quartett umfunktionierte, ein weiterer Insiderwitz in einer Geschichte voller solcher Witze. Trotzdem hat es etwas Ergreifendes, die Blutsauger anzurufen, um zu untersuchen, wer sie waren. Die Vergangenheit ist, was sie ist, in all ihrem Reichtum und ihrer Bedeutung; erkenne sie an und entdecke etwas Neues in ihr.

SK-news