04.06.2024 – Jazztime: Jazztoday – BR-Klassik – Henning Sieverts — – Details
Norma Winstone/John Taylor
Quiet Nights for Two: Henning Sieverts präsentiert ruhige Duette, mit u.a. mit Jason Seizer/Marc Copland, Norma Winstone/John Taylor oder Marc Johnson/Toots Thielemans
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03.06.2024 – con passione – BR-Klassik – Volkmar Fischer — – Details
Neil Shicoff
Bei den klassischen Verlierertypen der französischen, italienischen, englischen und russischen Opernliteratur wurde er zum passionierten Menschendarsteller: der amerikanische Tenor Neil Shicoff. Als Sensibilissimo nutzte er etwa eine Arie wie die des Lenski aus Peter Tschaikowskys “Eugen Onegin” zur Suggestion echter Schmerzempfindung. Das geschah in erster Linie mit Hilfe seiner subtilen mezza-voce-Phrasierungskunst. Neil Shicoff war eben kein “Brüller”, der Feinheiten ignorierte, so exaltiert er auch bisweilen Spitzentöne herausschmetterte und weit über das geforderte Maß anhielt. Zum gestrigen 75.Geburtstag des Sängers, der sich schon länger im wohlverdienten Ruhestand befindet, gratuliert BR-KLASSIK in der Sendung “con passione” mit einer Auswahl seiner besten Interpretationen.
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03.06.2024 – Am Nachmittag – hr2 kultur – Karmen Mikovic — – Details
Franz Kafka
Gespräch mit Lorenz Wesemann vom Deutschen Literaturarchiv Marbach — Gut informiert mit dem aktuellen Kulturgespräch und entspannter Musik durch den Nachmittag.
SK-
03.06.2024 – Treffpunkt Klassik – N.N. – — – Details
Franz Kafka
Am 3. Juni vor einhundert Jahren ist Franz Kafka in Prag verstorben. «Kafkaesk» wird zum sprichwörtlichen Ausdruck einer Befindlichkeit, deren Präsenz bis heute geradezu unheimlich gegenwärtig ist. Von Bernd Künzig. — In allen Kunstformen – der Literatur, der bildenden Kunst und dem Film – ist das Werk Kafkas reflektiert worden. Und natürlich auch in der Musik. Kafka selbst bezeichnete sich als unmusikalisch. — Franz Kafka und die Musik: Ein weites Feld ist das nicht, eher eine schmale Ackerfurche. Das ist erstaunlich, bedenkt man die Rezeption seines Werks, das ihn vielleicht zu dem, auf jedenfalls zu einem der bedeutendsten deutschsprachigen Autoren für die Zeit nach dem zweiten Weltkrieg gemacht hat. Wohl deshalb, weil in Kafkas Werk existentielles steckt. Die Musik gehört nicht unbedingt dazu. Kurz vor seinem Tod entstand dann doch ein Text über Musik. «Josefine, die Sängerin» handelt von der Kunst des Gesangs. Doch nur scheinbar, denn die Beurteilung solcher Kunst fällt dem Erzähler schwer. Er stellt fest: «Wir sind ganz unmusikalisch.» Wer ist dieses Wir? Kafka und die Angebeteten des ewigen Junggesellen? Er und der Freund Max Brod?
SK-
13.09.2024 – Pasticcio – Ö1 – Hans Georg Nicklaus — – Details
Vladimir Horowitz
Horowitz am Klavier und wie ,von der Tarantel gestochen
03.06.2024 – News – Pitchfork – Andy Cush — – Details
Arooj Aftab
*8.3 — Das wunderbare vierte Album der Sängerin und Komponistin vertieft den Klang ihres grenzenlosen Folk-Jazz-Stils. Seine Gesten sind kühn, romantisch und oft unvergesslich.
Es ist nicht leicht, mit «Autumn Leaves» etwas Neues zu sagen. Der Torch Song von 1945 ist zweifellos einer der am häufigsten gespielten Standards des Jazz-Repertoires, nicht nur von Leuten wie Miles Davis und Nat King Cole, sondern auch von den Anfängern, die in den Hinterzimmern des Musikalienladens vor Ort Unterricht nehmen: Sich an ein Klavier zu setzen und die wehmütige Mollmelodie zu spielen, ist ein bisschen so, als würde man in der Jazz-Version eine E-Gitarre in die Hand nehmen und sich direkt an «Smoke on the Water» versuchen. Seine Interpretation im Jahr 2024 auf einem neuen Album zu veröffentlichen, ist entweder ein konservativer oder ein mutiger Schachzug. Für Arooj Aftab , den aus Lahore stammenden Sänger und Komponisten aus Brooklyn, der sich frei zwischen Jazz, Folk und klassischer hindustanischer und westlicher Musik bewegt, ist es entschieden Letzteres. — Aftabs «Autumn Leaves» erscheint früh auf Night Reign, ihrem vierten Soloalbum, und gibt es als geisterhafte Beschwörung wieder. Im Hintergrund klappert metallisches Schlagzeug. Linda May Han Ohs Kontrabasslinien folgen Aftabs Gesang wie ein langgezogener Schatten dem Protagonisten eines Noir-Films. Ohne ein Akkordinstrument zur Unterstützung wird die vertraute Melodie skelettartig und unheimlich; Aftabs chromatische Verzierungen machen sie noch unheimlicher. Ihre Interpretation von «Autumn Leaves» ist sinnbildlich für ihre Arbeitsweise: Sie schöpft aus der Tradition und entfremdet sie gleichzeitig, entfernt Klischees und Standardinstrumente, um die geheimnisvolle Sehnsucht freizulegen, die den alten Gedichten und Liedern ihre anhaltende Kraft verleiht. — Zwei der Songs von Night Reign sind von Mah Laqa Bai Chanda verfasst, einer Dichterin aus dem 18. Jahrhundert, die als erste Frau eine Sammlung ihrer Werke auf Urdu veröffentlichte. Andere Texte sind Originale von Aftab, sowohl auf Englisch als auch auf Urdu. Ein weiterer basiert auf einem beiläufigen Gedicht, das die Freundin der Sängerin, die pakistanische Schauspielerin Yasra Rizvi, auf Instagram gepostet hat. Aftab vereint die Mischung aus Jahrhundertealtem und Vergänglichem ihres Ausgangsmaterials mit ihrer wunderbaren Stimme, die manchmal erhaben ist, aber in ihrem heiseren unteren Register genauso kraftvoll ist. Und mit ihren Kompositionen, die sich geduldig sammeln und auflösen und lange Entwicklungsbögen plötzlichen dynamischen Wechsel vorziehen. Obwohl Night Reign viele deutlich voneinander abgegrenzte Zonen aufweist – ein grungy Bass übernimmt die Führung bei «Bolo Na»; Auto-Tune umhüllt Aftabs Stimme bei «Raat Ki Kai» –, kann es als Ganzes den Eindruck eines einzigen, mitreißenden Musikstücks vermitteln. — Aftab, die ihre Alben selbst produziert, verdient für ihr Komponieren und Arrangieren ebenso viel Anerkennung wie für ihren Gesang. Die Palette von Night Reign ähnelt der von Vulture Prince , ihrem Durchbruchsalbum von 2021, und enthält viele derselben Spieler sowie einige neue: die Harfenistin Maeve Gilchrist, deren Instrument nach Aftabs Gesang der zweitcharakteristischste Klang ihrer Musik ist; Aftabs Bandkollegen bei Love in Exile , der Jazzpianostar Vijay Iyer und der Multiinstrumentalist Shahzad Ismaily ; die Gitarristen Kaki King und Gyan Riley; den Flötisten Cautious Clay; den Schlagzeuger Jamey Haddad; und einen ungewöhnlichen Wurlitzer-Cameo-Auftritt von Elvis Costello . Ihre Instrumente treiben wie eine Brise aus Löwenzahnsamen, in die gleiche allgemeine Richtung, aber mit unabhängigen und unvorhersehbaren Wegen zwischen einem Punkt und dem anderen. Sogar Moor Mother , deren lauter gesprochener Text zu den markantesten Klängen der linksgerichteten Musik gehört, wird bloß zu einem weiteren Element der Melange, wenn sie einen Gastvers in «Bolo Na» beisteuert, wobei die perkussiven Kanten ihrer Darbietung von dem rhythmischen Aufruhr im Halbtakt des Lieds mitgerissen werden. — BETRACHTEN
Das eine Lied, das Holly Herndon gerne geschrieben hätte — Obwohl tatsächlich nur spärliche Perkussion eingesetzt wird, groovt Night Reign härter als sein Vorgänger, der fast keine Trommeln enthielt. Selbst wenn sich die Rhythmusinstrumente zurückhalten, ist fast immer ein Gefühl eines beharrlichen Pulses zu spüren, ein Effekt, der beim Opener «Aey Nehin» besonders ausgeprägt ist: Eine Akustikgitarre trägt ihn, dann eine Harfe, dann einige Handperkussion – alle teilen sich die Verantwortung dafür, die Dynamik aufrechtzuerhalten, sie hin und her zu werfen und etwas freier zu tanzen, wenn jemand anderes an der Reihe ist, sie aufrechtzuerhalten. (Ob er nun einen direkten Einfluss auf Aftab hat oder nicht, Gyan Rileys Vater Terry , der meisterhafte minimalistische Komponist, kommt einem in Momenten wie diesen manchmal in den Sinn.) Bei «Last Night Reprise», einer Vertonung der englischen Übersetzung eines Gedichts von Rumi, ist Petros Klampanis› Bass der einzige Tempomacher, der mit einem einfachen Ostinato weitermacht, während die übrigen Spieler im instrumentalen Mittelteil in eine lärmende freie Improvisation abdriften. Sie versammeln sich wieder hinter Aftab, als sie für das spannende Finale ans Mikro zurückkehrt. «Letzte Nacht war mein Liebster wie der Mond», singt sie und wechselt dabei zwischen heroischen langen Tönen und hektischen Silbenfolgen. «So schön wie der Mond.» — Vulture Prince , das Aftab nach dem Tod ihres jüngeren Bruders aufnahm, ist ein von Trauer heimgesuchtes Album. Night Reign ist weniger an ein einzelnes Thema gebunden: Aftab konzipierte es ursprünglich als Sammlung von Vertonungen von Werken von Mah Laqa Bai Chanda, verwarf die Idee dann aber, als sie sich einengend anzufühlen begann. Doch wenn es eine Situation oder Emotion gibt, die sich durch alle Songs zieht – sogar durch «Autumn Leaves» – dann ist es die Liebe zu jemandem, der nicht da ist. Es liegt in den Worten, ob nun aus Gedichten des 18. Jahrhunderts oder einem Instagram-Post adaptiert, und in der Mischung aus Zärtlichkeit und unerschütterlicher Entschlossenheit, die Aftabs Gesang charakterisiert. Es liegt auch in der Musik selbst, in der dunstigen Art, wie die Instrumente um ein unausgesprochenes Zentrum schweben und dabei ebenso viel Aufmerksamkeit auf den negativen Raum wie auf den Klang lenken, und in dem Puls, der weiterzugehen scheint, selbst wenn man ihn eigentlich nicht hören kann. Fast jeder kann das Gefühl nachvollziehen, das Night Reign in seinen Sound einfließen lässt: Das Objekt der Begierde ist vielleicht nicht mehr da, aber die Erinnerungen und das Verlangen, die noch immer da sind, sind genauso real.
SK-news
03.06.2024 – News – Pitchfork – Ben Cardew — – Details
Beth Gibbons
*8.0 — Dreißig Jahre nach ihrem Auftritt im Rampenlicht stellt sich die Sängerin von Portishead mit ihrem Solo-Debütalbum neu vor. Die Geschichte lastet schwer auf ihren Songs, aber sie gibt sich Mühe, ihre musikalische Vergangenheit zu vermeiden. — Beth Gibbons hat aus Untätigkeit eine Kunstform gemacht. In Portishead sang sie, als klammerte sie sich verzweifelt an das Mikrofon; ihre Stimme war die Verkörperung trägen Elends. Ihre Aufnahmen kamen seitdem nur im Schneckentempo voran und ihr Ruf wuchs mit jedem Jahr, das verging. Nach der Veröffentlichung von Portisheads Third im Jahr 2008 spielte Gibbons Góreckis 3. Sinfonie mit dem Polnischen Nationalen Rundfunksinfonieorchester, war auf Kendrick Lamars « Mother I Sober « zu hören und trat sonst kaum öffentlich auf. Gibbons tut nichts, was sie nicht muss, und sie tut es in ihrem eigenen Tempo, weshalb sich die Veröffentlichung von Lives Outgrown wie eine Offenbarung anfühlt. — Warum also hat Lives Outgrown Gibbons aus ihrem Schneckenhaus gelockt? Und warum jetzt? «Die Leute begannen zu sterben», sagte sie. Ganze drei Jahrzehnte, nachdem Portishead erstmals auf der Bildfläche erschienen, stellt sie sich mit einem Album neu vor, das von Abschieden inspiriert ist und von der Art von Perspektive geprägt ist, die nur durch den Blick zurück möglich ist. Sie fügte hinzu: «Wenn man jung ist, kennt man nie das Ende, man weiß nicht, wie es ausgehen wird.» Im Mittelpunkt von Lives Outgrown steht ein Hin und Her zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, wobei Gibbons für ihre Inspiration in ihre persönliche Geschichte eintaucht und dabei bewusst die Palette vermeidet, die Portishead so beliebt gemacht hat. — Stilistisch nähert sich Lives Outgrown dank seiner Akustikgitarren und Streicher der Folkmusik, wirkt aber dichter, lauter und experimenteller, als würde man tief im Wald über einen Schrottplatz stolpern. Es gibt jede Menge ungewöhnliche Texturen: In «Tell Me Who You Are Today» schlägt Produzent James Ford (von Simian Mobile Disco ) mit Metalllöffeln auf Klaviersaiten; für einen anderen Track drehen er und Gibbons wirbelnde Röhren über ihren Köpfen, auf der Suche nach dem perfekten, gruseligen Ton. — Melodien von endloser Melancholie und Texte von pointierter Tiefe, die an Gibbons› Arbeit mit Portishead und (kurz) Rustin Man erinnern , ihr Duo mit Paul Webb von Talk Talk , spiegeln die Zeit der Selbstreflexion der Sängerin wider. «Lives Outgrown» bietet Momente von niederschmetternder Nachvollziehbarkeit, in denen sie Themen wie Mutterschaft, Ängste und Wechseljahre behandelt. Ihre ungeschminkte Menschlichkeit ist welten entfernt von der überirdischen Wut, die sie auf « Third» zum Ausdruck brachte . «Ohne Kontrolle/steuere ich auf eine Grenze zu/die uns trennt/daran erinnert», singt sie in «Floating on a Moment» und trifft dabei einen wunderbar spärlichen Rhythmus und Ton, während der Eröffnungsvers von «Ocean» («Ich täusche am Morgen vor, ein Pfahl zur Linderung/ich habe den Schmerz, den ich fortsetze, nie bemerkt») Jahre des stumpfen Leidens in zwei elegante Zeilen zusammenfasst. Ihre Melodien sind stark wie Eisen: Das elegant unvermeidliche «Floating on a Moment» und der kathartische Album-Abschluss «Whispering Love» gehören zu den besten Songs, die Gibbons jemals geschrieben hat. — BETRACHTEN — — Okay Kaya: Abbey Road Amplify x Pitchfork London Sessions — Gibbons Stimme macht Vergleiche mit Portishead unvermeidlich – und in den ersten Takten von «Floating on a Moment» ist vielleicht ein Hauch von Adrian Utleys Spaghetti-Western-Gitarre mitzuhören. Gelegentlich macht sie mit Phrasen, die Zeilen aus anderen Teilen ihres Repertoires zu spiegeln scheinen, verschleierte Anspielungen auf ihre Vergangenheit. Insgesamt jedoch unternimmt die Sängerin große Anstrengungen, ihrer musikalischen Geschichte davonzulaufen. Gibbons sagte, sie wollte bei der Aufnahme von « Lives Outgrown» von Snare Drums und Breakbeats wegkommen – beides Schlüsselelemente des Portishead-Sounds – und hat stattdessen die Schlagzeuglinien ihres Kollaborateurs Lee Harris (früher bei Talk Talk und Mitwirkender an Gibbons und Rustin Mans « Out of Season «) auf Toms und Bass hineingehämmert. — Dieser perkussive Wirbel wird durch einen unauffällig kosmopolitischen Klangmix ergänzt. Ungewöhnliche Instrumentengruppen werden in hinterhältige musikalische Schichten gepackt, wie etwa die zähe Mischung aus Bassklarinette, Bass, Cello, Farfisa, Harmonium, Blockflöten, «Fuzz Flute», Violine, Singröhren und gestrichener Säge, die über «Beyond the Sun» getupft ist. Dieser düstere, waldige Eintopf hat wenig von Portisheads filmischem Hochdrama; seine abstrusen Winkel und der Woodland-Heavy-Metal ähneln eher Tom Waits dissonantem Meisterwerk Swordfishtrombones als den klaren Gitarrenlinien von Out of Season . Gibbons setzt zum ersten Mal auch Hintergrundgesang ein, dessen sparsamer Einsatz die Zusammensetzung des Albums eher stärkt als verändert, obwohl der Kinderchor und die wackelige Blockflöte in «Floating on a Moment» und «Beyond the Sun» den beiden Liedern eine beunruhigende Aura verlorener Unschuld verleihen. — Die Arrangements, größtenteils von Gibbons und Ford, schwelgen in der leicht unwirklichen Schärfe der Musik, wenn man sie einmal entfernt hat. Ein Großteil der Instrumentierung (zum Beispiel die schwungvollen, fast orientalischen Streicherlinien in «For Sale») hätte zu jedem beliebigen Zeitpunkt im letzten Jahrhundert geschrieben werden können, obwohl die Ablehnung des rebellischen Knackens der Snaredrum « Lives Outgrown» in ein Paralleluniversum schubst, in dem Rock›n›Roll nie wirklich Fuß fassen konnte. Die Verse werden von wilden Blechbläser-Skronks unterbrochen («Beyond the Sun») und Geigen kratzen über die perkussive Oberfläche wie Nägel auf einer Tafel («Burden of Life»). Diese unkonventionellen Entscheidungen unterstreichen die mutige und subtil ungewöhnliche Natur von Gibbons‹ Album, das seine Exzentrizität hinter ihrer unsterblichen Stimme und sympathischen lyrischen Einsicht verbirgt. « Lives Outgrown» mag quälend lange gebraucht haben, um zu erscheinen, aber es trägt die Handschrift von mehr als einem gut investierten Jahrzehnt, ein einzigartiges Talent, das in überraschend stacheliger Pracht wiedergeboren wurde.
SK-news
03.06.2024 – Tonart: Clip – Deutschlandfunk Kultur – Florian Czok — – Details
Melt-Festival
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SK-xxddhehit
03.06.2024 – Tonart: Clip – Deutschlandfunk Kultur – Thomas Götz — – Details
Beatsteaks
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03.06.2024 – Kompressor: Clip – Deutschlandfunk Kultur – Paul Paulun — – Details
Beth Anderson
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03.06.2024 – News: Nachrufe – The New York Times – Alex Williams — – Details
Margot Benacerraf
Sie drehte zwar nur zwei Filme, doch ihr Film «Araya», eine Betrachtung der täglichen Rituale der Arbeiter im Salzbergwerk, wurde zu einem bleibenden Werk des lateinamerikanischen Kinos. — Margot Benacerraf, eine von der Kritik gefeierte venezolanische Dokumentarfilmerin, deren hypnotisches «Araya», ein visuelles Tongedicht über das tägliche Leben der Salzarbeiter auf einer kargen Halbinsel an der Küste ihres Landes, 1959 bei den Filmfestspielen von Cannes den Kritikerpreis erhielt, starb am Mittwoch in Caracas. Sie wurde 97 Jahre alt. — Ihr Tod wurde vom Kulturminister des Landes bekannt gegeben . — Frau Benacerraf gilt als bedeutende Persönlichkeit des lateinamerikanischen Kinos und gründete die Nationale Kinemathek Venezuelas. 2018 erhielt sie vom Präsidenten des Landes, Nicolás Maduro, den Francisco-de-Miranda-Orden für herausragende Verdienste in den Natur- und Geisteswissenschaften. — Doch obwohl Frau Benacerraf gefeiert wurde, war sie nicht sehr produktiv. Sie drehte in ihrer Karriere nur zwei Filme: «Reverón» (1952), einen 23-minütigen Dokumentarfilm über die zurückgezogenen späteren Jahre des venezolanischen Künstlers Armando Reverón , und «Araya», ihr einziges abendfüllendes Werk. — Beeinflusst vom magischen Realismus von Romanautoren wie Gabriel García Márquez und Alejo Carpentier , fing Frau Benacerraf in 90 Minuten den Schweiß und die Mühen der Arbeiter inmitten der hoch aufragenden Salzpyramiden im jahrhundertealten Bergbaugebiet der Halbinsel Araya ein. «Araya» teilte sich 1959 in Cannes den Preis der Internationalen Filmkritikervereinigung mit Alain Resnais‹ bahnbrechendem New-Wave-Film «Hiroshima, meine Liebe». — — Die venezolanische Dokumentarfilmerin Margot Benacerraf im Jahr 2018. Ihr Film «Araya» teilte sich den Kritikerpreis bei den Filmfestspielen von Cannes 1959.
SK-try-2024news
03.06.2024 – News: Nachrufe – The New York Times – Trip Gabriel — – Details
Larry Bensky
Er bezeichnet sich selbst als Aktivisten-Journalist und war viele Jahre lang Korrespondent für nationale Angelegenheiten des gemeindeorientierten Netzwerks Pacifica. — Larry Bensky, ein Radiojournalist, der durch seine Berichterstattung über wichtige politische Ereignisse zur charakteristischen Stimme von Pacifica Radio wurde, einem Netzwerk progressiver, von seinen Hörern unterstützter Sender, starb am 19. Mai in seinem Haus in Berkeley, Kalifornien. Er wurde 87 Jahre alt. — Seine Frau, Susie Bluestone, sagte, er sei in der häuslichen Hospizpflege gestorben. — Durch seine Berichterstattung von Anfang bis Ende über die Anhörungen des Kongresses zur Iran-Contra-Affäre im Jahr 1987 machte sich Herr Bensky den Ruf des Pacifica-Netzwerks zunutze und erhielt dafür den renommierten Polk Award für seine Radioreportage. — Herr Bensky, der sich selbst als Aktivistenjournalist bezeichnete, brachte linke Ansichten in die Berichterstattung ein – oft über Menschen und Themen, über die in anderen Nachrichtenagenturen nicht ausreichend berichtet wurde –, und hoffte, dass dies, wie er es oft ausdrückte, «für Aufruhr sorgen» würde. — Das war im progressiven Ethos seiner Heimat Bay Area keine Randerscheinung, aber er überschritt diese Grenzen regelmäßig. Der Free-Form-Rocksender KSAN, die Stimme von Haight-Ashbury in den 1960er Jahren, warf ihn aus dem Programm, weil er Mitarbeiter interviewte, die von einem der Sponsoren des Senders gefeuert worden waren. — Später wurde er von seinem langjährigen Zuhause, KPFA in Berkeley, entlassen, weil er in der Sendung die Entscheidungen der Eigentümer des Senders kritisiert hatte. Er wurde jedoch wieder eingestellt, nachdem er über ein Piratensignal von der Straße draußen gesendet hatte. Bei Kollegen war er als streitsüchtig bekannt, aber er war auch so gut über Geschichte und Politik informiert, dass er stundenlang ohne Notizen oder Skript senden konnte. — KPFA wurde 1949 von Pazifisten gegründet und war der erste von den Hörern finanzierte Radiosender des Landes. Er war der erste, der Allen Ginsbergs Lesung seines Gedichts «Howl» übertrug, und der erste, der seine Sendefrequenzen für Patricia Hearst freigab, die während ihrer Entführung ihre Eltern als «kapitalistische Schweine» bezeichnete. — — Larry Bensky im Jahr 1988, als er für das Pacifica Network öffentlich-rechtlicher Radiosender arbeitete. Seine Berichterstattung über die Anhörungen des Kongresses zur Iran-Contra-Affäre brachte ihm einen Polk Award ein.
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